История фрески: как менялась роспись храма

Подготовить этот материал нам помогла художник-монументалист Ксения Воронова, которая занимается росписью храмов. Она декан факультета дополнительного образования Московского государственного академического художественного института им. В. И. Сурикова (МГАХИ) и член-корреспондент Российской академии художеств. А еще преподает в Образовательном центре «Сириус» на программе «Композиционный рисунок».

Ксения Воронова Фото: © Евгений Эргардт / пресс-служба Сириуса

Что такое фреска?

Фреска — техника настенной живописи по све­жей шту­ка­тур­ке, ко­то­рая об­ра­зу­ет после высыхания тон­кую про­зрач­ную плен­ку, за­кре­п­ляю­щую крас­ки. Благодаря этой особенности, а также грунтованию изображение становится дол­го­веч­ным и не растрескивается.

Фрески из­вест­ны со времен Древ­него Егип­та, хотя, возможно, были и раньше. Развитие эта техника получила в Древнем Риме, где использовали мно­го­слой­ные шли­фо­ван­ные грун­ты, куда добавляли мра­мор­ную пы­ль. Из одной империи роспись по мокрой штукатурке перекочевала в другую — в Византии любили совмещать фреску и жи­во­пи­сь по-су­хо­му (альсекко — роспись по сухой штукатурке). Там же ее активно использовали для внутреннего украшения храмов. Из Константинополя эта тех­ни­ка пришла к другим восточным хри­сти­ан­ам: в Сер­бию, Бол­га­рию, Гру­зию и Киевскую Русь. В каждом регионе под влиянием культурных традиций и исторических событий фреска развивалась индивидуально, из-за чего возникло несколько основных стилей.

Фрески в романском стиле в монастыре Сен-Мишель-дю-Вар (Франция) Фото: © Isogood_patrick / Shutterstock / FOTODOM

Византийские фрески в церкви Святого Спасителя Хора (Стамбул, Турция) Фото: © Nadezhda Kharitonova / Shutterstock / FOTODOM

Древнерусский стиль в храме Спаса на Крови (Санкт-Петербург, Россия) Фото: © Pommy.Anyani / Shutterstock / FOTODOM

Фрески эпохи Ренессанса в палаццо Барберини (Рим, Италия) Фото: © Isogood_patrick / Shutterstock / FOTODOM

Фреска «Поклонение волхвов» в готическом стиле Изображение: © Штеделевский художественный музей

• Романский. Сдержанная цветовая гамма, несоответствие реальным пропорциям, абстрактность, применение анималистики и геометрических узоров. Рисунок больше похож на орнамент, нежели на картину.  
• Византийский. Строгость в формах и цветах: доминируют темные краски, соблюдаются пропорции. Святые — плоские и симметричные, лики — суровые и скорбящие, а каждый предмет является символом, несущим определенную религиозную и смысловую нагрузку.
• Древнерусский. Берет начало из византийского и перенимает его основные черты. Однако со временем цветовая палитра расширяется, а композиция строится на определенном ритмическом рисунке (регистре). 
• Ренессансный. В эпоху Возрождения в Италии фресковая живопись достигла наивысшего развития. Изображения стали объемными, появились перспектива, проработанные светотени и глубина. Людей начали изображать более естественными: они приобрели мимику и эмоции. 
• Готический. Для готических росписей характерны вытянутые изящные силуэты, более детальная проработка окружения (растений, предметов), изображение животных, игра с масштабом и светотенью.

#искусство #религия

Кто расписывает храмы в России?

Читать

Фреска в архитектуре 

Сегодня храмовая роспись читается как книга — слева направо и сверху вниз. Хотя так было не всегда. Этот подход появился в конце XVI века после реформ Никона. В храмовой живописи была введена более развернутая система росписей, которая четко вписывается в архитектуру и визуально повторяет градацию, принятую в православии (от верхней точки храма до нижней). Купол и свод алтаря понимаются как символы небесного царства, поэтому туда помещают изображения Христа, Богородицы или Святой Троицы, барабан купола украшают лики праотцов и ветхозаветных пророков. На своды и верхние части стен наносят сюжеты из Ветхого и Нового Завета (Евангелия). Следующий ярус обычно посвящают тому библейскому событию или святому, в честь которого возвели церковь. Нижние части храма ассоциируются с земным миром: там изображают святых, а под ними находится пространство для прихожан. Это можно сравнить с неким приглашением для верующих, предложением стать частью этой иерархии.

Свет и восприятие фресок

«Свет — это важнейшее понятие в церковном искусстве. Андрей Рублев, Феофан Грек и другие художники совместно с архитекторами занимались включением реального света в пространство храма и литургию. Была возможность организовать архитектуру таким образом, чтобы свет в нужное время делал акцент на определенных сюжетах или святых. Они отводили на это годы, но сейчас у творца такой возможности практически нет. Сегодня автор расписывает уже построенный храм, где нельзя учесть освещение. Наверное, это черта нашего времени».

Ксения Воронова

Еще одним приобретением русских художников стал визуальный прием из византийской живописи — «асимметрия в симметрии». В определенных архитектурных осях — куполе, барабане, подпружной арке — автор располагал изображения так, чтобы одно было смещено относительно другого. Или использовал этот прием в конкретных деталях образа: лике, руках и других частях тела. У зрителя складывалось впечатление, что художник ошибся или не обладал инструментами, чтобы правильно выверить оси. Однако это придавало фреске подвижность и создавало у зрителя ощущение вовлеченности. Поддерживать эту динамику также помогало чередование теплых и холодных цветов в регистрах: автор будто создавал слоеный пирог из теплых и холодных «поясов» храма. 

В хорошо расписанном храме человек ощущает вечное движение

Ксения Воронова

По словам художницы, один из лучших примеров расположения изображения в архитектуре храма — Софийский собор в Киеве. Там выложен мозаичный сюжет Благовещения. Сцена разнесена через подпружную арку: ангел находится на одной ее стороне, Богородица — на другой, а между ними алтарь. В данном случае расположение образов играет большую роль: между фигурами появляется пространство смысла — алтарь, где совершается евхаристия, или символическая жертва. Другой пример — монастырь Сопочаны в Сербии, вблизи города Нови-Пазар. Там композиция «Успение Пресвятой Богородицы» размещена под окном — создается ощущение, что прямо из него выходят ангелы. Когда в храм проникает только естественный свет, рождается иллюзия: фигуры начинают двигаться так, будто идут на смотрящего.

Ярче всего художественные приемы прослеживаются в храмах с мощными куполами Фото: © tashmetova808 / Shutterstock / FOTODOM

Новые материалы

Изначально художники писали по гашеной извести. С добавлением мраморной или кирпичной крошки. Главный минус такого подхода — нехватка времени. Раствор высыхает примерно через девять часов, потом изменения уже не внести. 

Комбинированный метод объединял классическую фреску с росписью по сухим стенам. Подготовительные работы делали под финальный слой сырой штукатурки, наносили синопию, после чего выполняли основную работу по влажному раствору, а дополнительные детали дописывались «на сухую» (для этого художник добавлял к пигменту известковое молочко). Чаще всего живописцы использовали такую технику для окончательной ретуши и чтобы внести некоторые цвета.

Сегодня фреской обычно называют любую настенную живопись вне зависимости от техники выполнения. Появились и новые методы: они проще в исполнении, позволяют выполнить работу в сжатые сроки и вносить правки. При росписи церквей часто используются краски на силикатной и акриловой основе — они не дают во внешнюю среду ядовитых паров.

Силикатные краски изготавливаются на основе жидкого стекла и этилсиликата Фото: © rawpixel.com / Freepik

«Сегодня практически все перешли на силикатные краски, основа которых — калийное жидкое стекло. Используя их, можно сохранить ту же прозрачность, светоносность, как и в истинной фреске. Плюс таких красок в том, что не нужно зависеть от высыхания штукатурки, а их основа позволяет выполнять рисунки, которые не отличишь от древних изображений.

Другой расхожий материал — акрил. Он имеет неорганическое связующее, которое обеспечивает сохранность пигмента и росписи в целом. Краски на основе такого вещества застывают на стене, как пластмасса (хоть визуально так не выглядят), хорошо работают в сочетании со строительными красками. Они позволяют писать очень тонким слоем, при этом не „гасят“ цвет, в отличие, например, от клеевой темперы. Акрил помогает мне создать глубину стены и очень красивую поверхность. На выходе получаю результат, приближенный к изначальным вариантам фресок», — рассказывает Ксения Воронова. 

Основа 

Большое значение имеют не только краски, но и то, на что их наносят. Под фресковую роспись пригодны кирпичные, каменные и бетонные поверхности, не пригодны поверхности из шлакобетона и те, которые содержат сернистые соединения. Стена должна быть хорошо подготовлена: очищена от грязи, правильно заштукатурена или загрунтована качественными составами, поверхность верхнего штукатурного слоя обработана. В этом случае краски разрушаются лишь под воздействием влажности и химических субстанций, находящихся в воздухе. Впрочем, со временем любая краска начнет отслаиваться и потребует обновления.

Процесс реставрации фрески в Шмихели (Нова-Горица, Словения) Фото: © Fotopogledi / Shutterstock / FOTODOM

«Идеальный по долговечности — силикат. Правда, он очень дорогой, и для работы с ним нужно хорошо знать технологию. Этот материал сложно разрушить, но со временем он белеет, так как связующая силиката не прозрачная, а изначально чуть белесая. Акрил можно делать более устойчивым за счет покрытия финальными лаками, причем не обязательно блестящими, а, например, матовыми, водоустойчивыми и другими. После этого он вполне может сравниться по долговечности с силикатной краской», — объясняет Ксения.