Как сделать карьеру в классической музыке 

Никита Ваганов Фото: © Алёна Енченко / Медиадом «Сириус»

— Никита Андреевич, на что нужно обратить внимание молодым исполнителям, планирующим строить карьеру в классической музыке? 

— Для начала давайте определимся, что именно мы понимаем под карьерой музыканта. С одной стороны, можно играть в оркестре и быть солистом, с другой — участвовать в камерных проектах, а ещё есть преподавательская стезя. Иначе говоря, есть несколько направлений. В идеале нужно развивать все грани: уделять внимание и сольному, и оркестровому исполнительству, а также камерной музыке. 

Везде есть своя специфика. Например, в большом коллективе нужно уметь читать с листа, знать оркестровые трудности. Это маленькие выписки — сольные партии в оркестре. В каждом произведении есть свои сложности, кусочки, которые музыкант играет один. Такие отрывки часто разбирают и репетируют в консерватории или училище. Когда музыкант потом попадает в оркестр, это помогает ему не растеряться и сыграть хорошо. 

Если развиваться во всех направлениях одновременно, появляется больше шансов проявить себя. Ведь никогда не знаешь, какое предложение и откуда тебе поступит. Чем шире спектр твоих умений, тем больше шансов достичь карьерного успеха, найти свой путь и истинное призвание.

Обычно в составе симфонического оркестра двое кларнетистов Фото: © furtseff / Shutterstock / FOTODOM

Ещё очень важно быть всегда в прекрасной форме. Понятно, что если ты участвуешь в конкурсе, то готовишь заданное произведение к определённой дате. Но ведь тебе могут в любой момент позвонить и предложить участие в каком-то интересном проекте или работу в прекрасном оркестре, а значит, нужно прийти на прослушивание и сыграть прямо сейчас. Здесь не пройдёт сказочный вариант, когда Илья Муромец 33 лет лежал на печи, а потом встал и всё сделал. Нужна ежедневная и кропотливая работа, тогда ты не упустишь свой шанс.  

Однажды мне пришлось играть в первом часу ночи после двухчасового ожидания (ходил вокруг театра по улице). Это было прослушивание на солиста оркестра в Мариинском театре у Валерия Абисаловича Гергиева. Оно проходило после спектаклей, поэтому так поздно. Я сыграл хорошо и в итоге прослужил в этом коллективе девять лет. 

— Обучение в престижных музыкальных школах даёт пропуск на большую сцену?   

— Сейчас я преподаю в Центральной музыкальной школе в Москве. Это прекрасная школа, которая даёт возможность развиваться как раз с точки зрения карьеры во всех смыслах. Но сам я учился в обычной детской музыкальной школе имени Мстислава Леопольдовича Ростроповича. Я видел его лично, он там всех вдохновлял. В учебном заведении важны доброжелательная атмосфера и такое отношение педагога к ученикам, которое стимулирует их творить.

Школа им. М.Л. Ростроповича основана в 1918 году Фото: © GAlexandrova / Public domain

Сегодня в Центральной музыкальной школе один из лучших коллективов по творческому наполнению. Если в другой школе талантливый педагогический состав, который создаёт созидательную развивающую атмосферу, можно достичь успехов и там. 

Ищите педагогов, которые вдохновляют!

— Достигая определенного уровня, многие профессионалы идут преподавать. Что должно быть в приоритете у музыканта — выступать или передавать знания другим?

— Каждый к этому приходит в разное время. Я начал преподавать достаточно рано. Когда кого-то обучаешь, начинаешь анализировать его игру. Смотришь, что не так, пропускаешь через себя, как через фильтр. Думаешь, что можно улучшить, как помочь ему или ей. Всё это отражается на твоей игре: считываешь больше деталей, развиваешь слуховой анализ, глубже чувствуешь инструмент. Мне порой дети такие вопросы задают, о которых я сам никогда не задумывался. Это всегда взаимообмен, и это здорово!

Как музыкант, я никогда не скажу, что всё понял и всего достиг. Слушая свои записи, всегда слышишь, что можно улучшить или сделать иначе. В этом интерес нашей профессии. Она, к сожалению или к счастью, требует постоянной работы над собой. Это как с литературой — в школе нас заставляли читать Достоевского и Толстого, но мы тогда могли понять лишь 10–15% от того, что заложено в их произведениях. Когда перечитываешь книги в зрелом возрасте, видишь гораздо больше.

Существует больше десятка разновидностей кларнета — от небольших инструментов до таких, которые достигают трёх метров в длину Фото: © Алёна Енченко / Медиадом «Сириус»

— Насколько популярность музыканта зависит от репертуара? Что из классики сегодня больше всего востребовано? 

— Публика очень различается по странам. Имена Моцарта, Чайковского, Брамса известны всем, и принято считать, что все их любят. А если вы поставите в афишу сочинения Карла Нильсена, отклик будет меньше. В основном пойдут люди, которые уже наслушались того, что у всех на слуху, и хотят другого. Это как с едой — одни предпочитают бефстроганов, а другие — фуа-гра. 

В любом случае можно найти свою публику. Думаю, важно сначала найти индивидуальное видение, собственный почерк, а потом развиваться вместе с теми, кто тебя слушает, предлагая им что-то новое. 

— Нужны ли профессиональному музыканту медийность и умение подать себя в соцсетях?

— К сожалению, я в этом плане не очень развит. Хотя очевидно, что если ты не только хорошо владеешь инструментом, но и умеешь интересно вести соцсети и понимаешь в маркетинге, это будет плюсом в карьере. Я знаю несколько оркестров, которые приглашают на гастроли во многом благодаря их соцсетям.

Сегодня многие музыканты ведут блоги и каналы на видеохостингах Фото: © KamranAydinov / Freepik

— А владение разными языками профессиональному музыканту необходимо? 

— Лично я, кроме русского, говорю ещё на английском, немецком и испанском. Изучение языков развивает мозг, а ещё они дают возможность общения с иностранными коллегами.

— А заниматься спортом музыканту обязательно? 

— Это очень важно. Музыканту нужно чувствовать свое тело, знать, как оно работает. Я учился в Германии у замечательных педагогов — семейной пары Сабины Майер и Райнера Вели. Они каждое утро бегали, но не потому что спортсмены. Просто от музыканта требуется определённый уровень спортивной подготовки, тренированности сердца, других органов, мышц. 

Лично я предпочитаю плавную китайскую гимнастику и упражнения, основанные на балансе. Много гуляю на свежем воздухе, хожу на массаж. Плавание тоже очень хорошо поддерживает физическую форму. 

У многих исполнителей проблемы с опорно-двигательным аппаратом и спиной — профессиональные тренеры помогают их решить. Важно, чтобы школьники и студенты, которые учатся играть, понимали, как им физически развиваться и тренировать свое тело. 

— Есть ли конкуренция среди музыкантов, играющих на духовых? 

— Бывает, что на конкурсах кларнетисты соперничают с теми, кто играет на флейте, гобое, фаготе. На последнем, например, сложно исполнять так же быстро, как на флейте, а значит, надо брать мастерством и музыкальностью, чем-то поражать.

Дуэт для кларнета и фагота — Никита Ваганов и Станислав Катенин Фото: © Алёна Енченко / Медиадом «Сириус»

Вообще, в конкуренции нет ничего плохого, потому что наша профессия на ней основана. Мы часто выступаем на конкурсах, претендуем на место в оркестре, то есть соревнуемся с другими музыкантами. При этом даже если ты прошел отбор или выиграл конкурс, где порой на одно место претендует по 80 человек, это еще не всё. Нужно на каждом концерте подтверждать, что по праву занимаешь своё место. Психологически это очень тяжело.

— Видна ли сегодня тенденция к повышению исполнительского мастерства? 

Мастерство, безусловно, растёт. То, как сейчас играют дети, 50 лет назад не играли взрослые профессионалы

Требования к инструментам и уровень владения ими всё время повышаются. Большой толчок в развитии дали звукозаписи, ведь на диске остаётся лучший дубль. Когда его слышит другой музыкант, исполнение кажется ему идеальным. После прослушивания компакт-диска он предъявляет завышенные требования к своему живому исполнению на сцене, чтобы добиться такой же чистоты, как в студии. Соответственно,  больше тратит времени на подготовку, потому что соперничает с записью. 

Есть и другой момент. Когда играешь известный репертуар, например симфонию Чайковского, публика сравнивает твоё исполнение с записями Мравинского, Светланова, Рождественского, а значит, нужно выступить не хуже и добавить что-то своё для эмоциональности. А как не потерять качество, когда ты включаешь эмоцию? Это всегда сложно! Тут как в спорте, где есть яркие фигуристки, которые могут неидеально выполнять тулуп, а есть менее эмоциональные, но с великолепной техникой. Кто из них лучше?

Раньше редкие записи выступлений симфонических оркестров и солистов приходилось искать в магазинах или переписывать у других, сегодня проблем с этим нет Фото: © Raia / Shutterstock / FOTODOM

Послушайте пластинки, которые появились на рубеже XIX и ХХ веков. Допустим, как играл Брамс: он по темпу своё же произведение играет, немного «шатаясь». Не всё идеально по качеству звучания, но это очень музыкально — есть индивидуальность и посыл.

— А как музыканту научиться понимать и чувствовать стиль автора?

— Нужно изучать биографии композиторов, интересоваться тем, где они жили, как писали, что у них происходило в семье, как развивалась карьера. Ещё стоит обратить внимание на рукописные партитуры: кто-то много зачёркивал, а кто-то сразу писал на чистовую. У Баха, например, аккуратно выписанные идеальные завитушки, а у Брамса тактовые черты вместо вертикальных ложились по диагонали. Видишь, как у человека пошла мысль и он просто несётся, пытаясь успеть её записать. Чем больше в это углубляешься, тем лучше понимаешь стиль исполнения каждого композитора. 

Стиль — это сочетание твоей любознательности, знаний и усердия в игре на инструменте

Поскольку это прикладное искусство, знания нужно воплотить через игру на инструменте. Иначе мы будем музыковедами, а не исполнителями. А результат зависит от сочетания терпения, труда, любопытства и образованности.